Peinture / Arts graphiques

  • Józef Czapski (1896-1993) a vécu de nombreuses vies au cours de ses quatre-vingt-seize années d'existence. Il était étudiant à Saint-Pétersbourg pendant la Révolution russe et peintre à Paris durant les Années folles. En tant qu'officier de réserve polonais luttant contre l'envahisseur nazi aux premières semaines de la Seconde Guerre mondiale, il a été fait prisonnier par les Soviétiques. Au camp de Starobielsk, il fut l'un des très rares détenus à avoir échappé au massacre de Katyn, un meurtre de masse ordonné par Staline et mis sur le compte des Allemands. (Voir Proust contre la déchéance et Souvenirs de Starobielsk, chez Noir sur Blanc - et Libretto -, ainsi que Terre inhumaine, repris dans la « Bibliothèque de Dimitri »).
    Czapski n'est jamais retourné en Pologne après la guerre. Installé en région parisienne avec sa soeur et les intellectuels de la revue polonaise Kultura, il a travaillé sans relâche à faire connaître le sort de sa patrie soumise au totalitarisme.
    Czapski était une personnalité publique de tout premier plan, mais c'est la peinture a donné un sens à sa vie. Eric Karpeles, également peintre, révèle la complexité de Czapski, réunissant ici tous les fils de cette vie remarquable.
    Né en 1953 dans l'État de New York, Eric Karpeles est peintre, écrivain et traducteur. Il est diplômé de la New York Arts Students League et membre du Czeslaw Milosz Institute du Claremont McKenna College en Californie.
    Son précédent ouvrage, Le Musée imaginaire de Marcel Proust (Thames & Hudson), a connu un très grand succès tant en anglais qu'en français. C'est d'ailleurs en menant ses recherches sur Proust qu'il a découvert le nom, puis l'oeuvre de Joseph Czapski, pour lequel il s'est pris d'une passion singulière.
    Publié en 2018 aux États-Unis, Presque rien - L'art et la vie de Joseph Czapski fut magnifiquement reçu par la critique américaine, faisant naître un intérêt inédit pour la figure de Czapski à l'étranger. Fort de ce succès, Eric Karpeles vient de faire paraître en anglais, chez Thames & Hudson, une monographie des peintures et dessins de Joseph Czapski : Apprenticeship of Looking (L'apprentissage du regard), 2019.

  • Et si un dessin vous aidait à y voir plus clair ?
    Désirs de renouveau, ambitions refoulées, doutes, inquiétudes... Nous sommes tous confrontés, un jour ou l'autre, à ces indécisions et à ces envies. Mais comment y voir plus clair ? Cet ouvrage enrichi de plus de 80 exercices propose une méthode simple pour vous exprimer et représenter tout simplement sous forme visuelle vos idées, pensées, rêves, etc.
    N'ayez crainte, nul besoin d'être un artiste pour vous approprier ces techniques ! Les auteurs vous fournissent une boîte à outils prête à l'emploi. Vous pourrez l'utiliser aisément au quotidien (pictos, croquis, objets, etc.) pour définir vos valeurs et motivations, cerner vos objectifs, prendre les bonnes décisions. Grâce à elle, vous pourrez enfin vivre pleinement vos rêves !
    Prenez votre vie en main, découvrez ce que vous voulez vraiment et donnez vie à vos projets !

  • Vendu à 2,5 millions d´exemplaires et traduit en 17 langues, cet ouvrage est l´introduction à la pratique du dessin la plus répandue dans le monde.
    Que vous pensiez n´avoir guère de talent, que vous soyez un artiste professionnel ou que le dessin soit pour vous un simple hobby, ce livre vous fera prendre confiance en vos capacités et approfondira votre perception artistique, de même qu´il vous encouragera à développer une nouvelle appréhension du monde qui vous entoure.
    Dans cet ouvrage de référence, Betty Edwards vous offre la clé pour maîtriser l´art du dessin en vous faisant découvrir les cinq compétences fondamentales de cet art : la perception des contours, des espaces, des relations, de la lumière et des ombres, et du tout (gestalt).
    Cette nouvelle édition comprend :
    - une nouvelle introduction ;
    - des mises à jour tirées des études récentes sur la plasticité du cerveau et sur l´avantage de l´acquisition de nouvelles compétences en utilisant l´hémisphère droit (visuel et intuitif) du cerveau ;
    - un nouvel accent sur le rôle de l´apprentissage du dessin grâce aux fonctions du cerveau droit - en réponse au culte grandissant porté à l´hémisphère gauche (analytique et verbal) dans notre société ;
    - de nouvelles reproductions d´oeuvres maîtresses.

  • Explorez une nouvelle approche de l'aquarelle, en abandonnant l'esquisse préalable pour peindre directement au pinceau, sur le vif, avec plaisir.

    Construit à la manière d'un workshop, avec plus d'une cinquantaine d'exercices progressifs, cet ouvrage vous invite à expérimenter l'aquarelle en traduisant l'espace par les formes et la couleur, en masses et en valeurs, et non par des contours ou des règles strictes de perspective.

    Marion Rivolier, dont les magnifiques aquarelles ponctuent le livre, vous invite à une pratique vivifiante.

  • Vous savez tracer un carré, un triangle ou un rectangle ?

    Alors, vous savez dessiner !

    Rough : le dessin en 2 traits 3 mouvements est une méthode d'initiation au dessin qui s'appuie sur un constat tout simple : le corps humain, mais aussi tout ce qui nous entoure, peut être décomposé en formes géométriques élémentaires. La technique que propose Pierre Pochet n'a pas d'ambition académique, mais elle vous permettra de rapidement dessiner de mémoire une expression de visage ou un mouvement du corps, d'élaborer une mise en scène, de créer une perspective ou un cadrage.

    Cette approche du dessin se révèle particulièrement utile pour celles et ceux qui n'ont pas de formation artistique mais qui envisagent une carrière dans un secteur de création : la publicité, le design, le graphisme... mais aussi pour toute personne qui souhaite simplement apprendre à dessiner !

  • Le monde animal est d'une telle diversité que représenter chaque spécimen relève du défi pour un dessinateur débutant.Il suffit pourtant de prêter attention à un petit nombre de caractéristiques, toujours les mêmes, pour obtenir un dessin réaliste quel que soit le sujet observé : le volume global de l'animal, l'articulation de ses membres, comment pattes ou nageoires se rattachent au corps... Pour vous aider à visualiser facilement les points essentiels, tous les modèles sont décomposés en 2 à 5 étapes simples.Pour finaliser votre dessin, diverses techniques vous sont expliquées, qui vous permettront de donner relief et caractère à votre sujet. Laissez-vous simplement guider !

  • Envie de vous essayer à la gouache, mais vous manquez de technique ?

    Vous maîtrisez la gouache, mais vous êtes en panne d'inspiration ?

     

    J'ose la gouache propose 41 défis qui vous aideront à développer votre technique, booster votre créativité et trouver votre style : choisir son matériel, entretenir une pratique régulière, constituer un carnet d'inspiration, jouer avec les contrastes et les couleurs, s'inspirer de la nature et de ce qui vous entoure, mélanger les techniques... Vous passerez ensuite de la feuille au volume, du motif à l'objet grâce aux dernières parties de l'ouvrage : guirlande décorative, cadre ou papier cadeau personnalisés, etc. Quatre créatrices internationales vous livreront leur savoir-faire pour marier la gouache à d'autres disciplines et ainsi réaliser un carnet, un tablier décoré en punch needle, une mosaïque wax et une pochette en cuir.

    Des conseils concrets pour vous lancer et des portraits d'artistes pluridisciplinaires pour trouver l'inspiration.

    Des pas à pas détaillés pour découvrir divers processus de création.

    Des exercices ludiques pour réinvestir vos acquis et vous aider à affirmer votre propre style.

     

    Attention : la version originale de cet ebook est en couleur, lire ce livre numérique sur un support de lecture noir et blanc peut en réduire la pertinence et la compréhension.

  • Lorsque l'on débute, on hésite à représenter des bâtiments variés faute de maîtriser les règles de la perspective.Tours, châteaux, ponts, igloos et autres édifices sont pourtant constitués de volumes simples, qui sont simplement déformés quand ils sont soumis aux lois de la perspective. À main levée, vous pourrez reproduire ces effets pour donner à votre dessin un aspect réaliste. Pour vous aider à visualiser facilement chaque principe de construction, tous les modèles sont décomposés en 2 à 7 étapes simples. Pour finaliser votre dessin, diverses techniques vous sont expliquées, qui vous permettront de donner relief et caractère à votre sujet. Laissez-vous simplement guider !

  • Lumineuse et spontanée, l'aquarelle est une peinture dont la simplicité n'est qu'apparente. Laissez-vous guider pas à pas pour choisir le matériel adéquat, apprivoiser l'eau, faire vos premiers pas... Vous expérimenterez plusieurs méthodes indispensables que vous apprendrez ensuite à combiner pour obtenir un résultat unique.Au fil de l'eau et des couleurs, votre sensibilité prendra forme sur le papier et vous saurez tirer parti des multiples surprises que réserve l'aquarelle. Plus de 50 exercices, focus techniques et modèles en étapes vous guideront progressivement... tout simplement.

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    Polygraphe et correcteur d'imprimerie, il collabora pendant vingt ans au Grand dictionnaire encyclopédique Larousse.

  • Entre courbes et contre-courbes, Mucha créa, à la fin du XIXe siècle, une égérie nouvelle qui devait hanter les rues de Paris. Au fil des représentations de Sarah Bernhard, cette muse voluptueuse devint un véritable emblème de l'Art nouveau et offrit à l'affichiste succès et renommée.

    Néanmoins, le talent de l'artiste ne se limita jamais à la lithographie. Nourri par cette passion d'exalter, au mieux, la sensualité du monde qui l'entourait, l'art de Mucha, s'exprima indifféremment tant sur les monumentaux panneaux décoratifs des salles à manger que sur les petites pièces délicates de porcelaine. C'est toute la richesse et la variété de cet artiste fin-de-siècle que nous fait redécouvrir ici l'auteur.

  • La figure humaine est réputée difficile à représenter. Elle est d'une très grande mobilité, et il faut tenir compte à la fois de ses proportions et de jeux musculaires complexes pour la dessiner de façon convaincante. Chaque visage est pourtant composé de quelques formes élémentaires et nos traits s'animent selon une logique que vous maîtriserez bientôt pour obtenir un dessin réaliste. Représentés dans des expressions caractéristiques, tous les modèles sont décomposés en 3 à 8 étapes simples.Pour finaliser votre dessin, diverses techniques vous sont expliquées, qui vous permettront de donner relief et caractère à n'importe quelle figure. Laissez-vous simplement guider !

  • Dictionnaire du cubisme

    Brigitte Léal

    • Bouquins
    • 13 Septembre 2018

    En 1928, André Breton, dans Le Surréalisme et la peinture, dénonçait les " pauvres témoignages de quelques scribes " qui s'acharnaient, selon lui, à réduire l'aventure cubiste aux " proportions d'un simple fait divers ou d'un phénomène artistique local ". Près d'un siècle après, si cette aventure a trouvé toute sa place dans l'histoire de l'art, il manquait encore une vision d'ensemble permettant de traiter, sans tabou et en toute liberté, les multiples aspects du continent cubiste.
    Une équipe internationale mêlant grands experts et jeunes chercheurs, issus de l'université ou des musées, apporte un regard neuf sur ce phénomène surgi avec force au début du XXe siècle. Dans le panorama complet et détaillé du monde cubiste qu'offre ce livre figurent les domaines attendus : étapes stylistiques marquantes, noms et oeuvres phares du mouvement. Mais l'ouvrage va plus loin. Longtemps résumé à la création de quatre artistes pionniers - Pablo Picasso, Georges Braque, Fernand Léger et Juan Gris -, le cubisme est ici réévalué à la lumière de ses relations avec les autres formes artistiques : littérature, musique, danse, théâtre, représentées notamment par Apollinaire, les Ballets russes de Diaghilev, Cocteau. Ce dictionnaire explore également ses liens avec les sciences humaines, les arts populaires, la philosophie ou l'occultisme.
    L'ensemble témoigne de la grandeur et de l'actualité de ce mouvement d'art total qui n'a rien perdu de sa vitalité. Une épopée poétique dont l'esprit fut ainsi résumé par Picasso : " Faire des tableaux était moins important que de découvrir sans cesse des choses. "

  • Harmensz van Rijn Rembrandt (Leyde, 1606 - Amsterdam, 1669) Tout chez Rembrandt est un mystère complet, son esprit, son caractère, sa vie, son oeuvre et sa méthode de peinture. Mais ce que nous pouvons deviner de sa nature profonde à travers sa peinture et les incidents triviaux ou tragiques de sa vie malheureuse (son penchant pour le faste le poussa à la faillite), dont les infortunes ne s'expliquent pas complètement, révèle une effervescence de ses idées et de ses sentiments, des impulsions contradictoires émergeant des profondeurs de son être comme la lumière et l'ombre de ses toiles. Malgré cela, rien dans l'histoire de l'art ne nous donne une plus profonde impression d'unité que ses peintures, bien que composées d'éléments très hétéroclites aux significations les plus complexes.
    On a le sentiment que son esprit, génial, brillant et libre, audacieux et ignorant toute servitude, qui le mena aux plus nobles considérations et aux plus sublimes rêveries, jaillissait de la même source que ses émotions. C'est de là que provient cette composante tragique qu'il imprima à tout ce qu'il peignait, quel que fût le sujet. Son oeuvre était donc inégale, car le sublime, qui était le propre d'un homme tel que lui, n'est pas une chose quotidienne.
    C'est comme si cette personnalité singulière, étrange, attirante et presque énigmatique à la fois avait été lente à se développer, ou du moins à connaître sa pleine dimension. Que Rembrandt ait possédé un talent précoce et une vision originale du monde, ses dessins de jeunesse et ses premiers autoportraits des années 1630 le prouvent assez. En peinture, cependant, il ne trouva pas immédiatement la méthode pour exprimer les choses encore incompréhensibles qu'il avait à dire, la technique audacieuse, globale et personnelle que nous admirons dans ses chefs-d'oeuvre de la maturité et de la vieillesse, mais qui, en dépit de sa subtilité, fut jugée brutale et contribua certainement à l'éloigner de son public. Il adopta d'abord un style sophistiqué très similaire à la manière des «Petits Maîtres » de son pays.
    Toutefois, à ses débuts et au temps de ses premiers succès, l'éclairage joua un rôle majeur dans sa conception de la peinture et il en fit le principal instrument d'investigation des arcanes de sa vie intérieure. Il lui révéla la poésie de la physionomie humaine lorsqu'il peignit le Philosophe en méditation, ou La Sainte Famille, si délicieusement absorbée dans sa modeste intimité, ou l'ange Raphaël quittant Tobias. Mais bientôt il exigea plus, et La Ronde de nuit marqua immédiatement l'apothéose de sa réputation. Peu à peu, il évolua en s'éloignant du naturalisme des premières heures et des clairs-obscurs abrupts, arrondissant les angles et se tournant vers un monde plus coloré. Il songea aux grands vénitiens et emprunta leurs sujets pour produire une forme d'art né d'une vie intérieure et d'une émotion profonde. Les sujets mythologiques et religieux étaient traités comme ses portraits. Car tout ce qu'il puisait dans la réalité et même dans les oeuvres des autres, il le transmutait immédiatement en sa propre substance.

    1 autre édition :

  • Ce livre développe une question critique posée et reposée à nos certitudes devant l'image. Comment regardons-nous ? Pas seulement avec les yeux, pas seulement avec notre regard. Voir rime avec savoir, ce qui nous suggère que l'oeil sauvage n'existe pas, et que nous embrassons aussi les images avec des mots, avec des procédures de connaissance, avec des catégories de pensée. D'où viennent-elles, ces catégories ? C'est la question posée ici à la discipline de l'histoire de l'art, dont le développement actuel - la finesse de ses outils, son impressionnante capacité d'érudition, sa prétention scientifique, son rôle dans le marché de l'art - semble autoriser le ton de certitude si souvent adopté par les professionnels de l'art, les savants de l'image. Or, qu'est-ce qu'un savoir lorsque le savoir porte sur ce Protée que l'on nomme une image ? La question exige de mettre à jour la « philosophie spontanée » ou les modèles discursifs mis en jeu lorsque nous cherchons, devant un tableau ou une sculpture, à en tirer, voire à en soutirer une connaissance. Entre voir et savoir se glissent bien souvent des mots magiques, les philtres d'une connaissance illusoire : ils résolvent les problèmes, donnent l'impression de comprendre. Ces mots magiques, Vasari, le premier historien de l'art, au XVIe siècle, en a inventé de fameux, qui traînent encore dans notre vocabulaire. Panofsky, le « réformateur » de l'histoire de l'art, au XXe siècle, les a critiqués dans un sens, à l'aide d'un outil philosophique considérable - la critique kantienne de la connaissance -, mais il les a restaurés dans un autre sens, au nom de l'humanisme et d'un concept encore classique de la représentation. C'est du côté de Freud que l'on a cherché ici les moyens d'une critique renouvelée de la connaissance propre aux images. L'acte de voir s'y est littéralement ouvert, c'est-à-dire déchiré puis déployé : entre représentation et présentation, entre symbole et symptôme, déterminisme et surdétermination. Et, pour finir, entre la notion habituelle du visible et une notion renouvelée du visuel. L'équation tranquille - métaphysique ou positiviste - du voir et du savoir laisse place dès lors à quelque chose comme un principe d'incertitude. Quelque chose comme une contrainte du regard au non-savoir. Quelque chose qui nous met devant l'image comme face à ce qui se dérobe : position instable s'il en est. Mais position qu'il fallait penser comme telle pour la situer malgré tout dans un projet de connaissance - un projet d'histoire de l'art. Ce livre est paru en 1990.

  • Un manuel tout en images pour apprendre aux enfants à créer leur première bande dessinée. Lorenzo Chiavini transmet son savoir-faire d'auteur de bande dessinée pour accompagner les 6-12 ans à chaque étape de conception : les bases du dessin, la création des personnages, du décor, de l'histoire, la composition et la mise en couleurs manuelle ou numérique. Un livre qui se lit cahier et crayon en main pour réaliser les exercices proposés et donner naissance, au fil des pages, à sa propre bande dessinée !
    Attention : La version ePub de ce livre numérique est en fixed-layout. Pour des conditions de lecture optimales, veillez à ce que votre tablette ou ordinateur supporte ce type de format.

  • Vincent van Gogh (Groot-Zundert, Brabant, 1853 - Auvers-sur-Oise, 1890) La vie et l'oeuvre de Vincent van Gogh sont si étroitement liées qu'il est quasiment impossible de voir ses toiles sans y lire le récit de sa vie : van Gogh est en effet devenu l'incarnation du martyr souffrant et incompris de l'art moderne, l'emblème de l'artiste marginal. Le premier article, publié en 1890, donnait des détails sur la maladie de van Gogh. L'auteur de l'article voyait le peintre comme un «génie terrible et dément, souvent sublime, parfois grotesque, toujours à la limite du cas pathologique ». On sait très peu de choses sur l'enfance de Vincent. Á l'âge de 11 ans, il dut quitter le «nid humain », comme il le nommait lui-même, pour poursuivre sa scolarité dans divers internats. Le premier portrait nous montre van Gogh comme un jeune homme sérieux de dix-neuf ans. A cette époque, il avait déjà travaillé trois ans à La Haye et ensuite à Londres, dans la galerie Goupil & Co. En 1874, son amour pour Ursula Loyer s'acheva dans un désastre et un an plus tard, il fut transféré à Paris, contre son gré. A l'issue d'une discussion particulièrement violente au moment des fêtes de Noël 1881, son père, pasteur, ordonna à Vincent de partir. Avec cette ultime rupture, il abandonna son nom de famille, signant ses toiles d'un simple «Vincent ». Il se rendit à Paris et ne retourna jamais en Hollande. Á Paris il fit la connaissance de Paul Gauguin, dont il admirait énormément les peintures. L'autoportrait fut le principal sujet de Vincent de 1886 à 1888. En février 1888, Vincent quitta Paris pour Arles, et essaya de persuader Gauguin de le rejoindre. Les mois passés à attendre Gauguin furent les plus productifs de la vie de van Gogh. Il voulait montrer à son ami autant de toiles que possible et décorer la Maison jaune. Mais Gauguin ne partageait pas sa vision de l'art et rentra finalement à Paris.
    Le 7 janvier 1889, quatorze jours après son automutilation, Vincent quitta l'hôpital. Ignorant sa propre folie, il espérait se rétablir et oublier, mais en réalité, il y retourna deux fois cette année là. Au cours de son ultime séjour à l'hôpital, Vincent peignit des paysages dans lesquels il recréait le monde de son enfance. On dit que Vincent van Gogh se tira une balle dans la tempe dans un champ, mais décida de rentrer à l'hôtel et de se coucher. Le propriétaire informa le Dr Gachet et son frère, Theo ; ce dernier décrivit les derniers instants de sa vie qui prit fin le 29 juillet 1890 : «Je voulais mourir. Mais j'étais assis à son chevet, lui promettant que nous allions le guérir. [...] », il répondit : «La tristesse durera toujours. »

    1 autre édition :

  • Le cheval est un animal réputé difficile à représenter. Un corps massif mais de très fines jambes, un cou long mais puissant... autant de proportions apparemment contradictoires et qui semblent changer selon les mouvements du sujet.Ce magnifique animal est pourtant composé de quelques formes élémentaires que vous apprendrez bientôt à combiner pour obtenir un dessin réaliste. Représentés dans des attitudes caractéristiques, tous les modèles sont décomposés en 4 à 7 étapes simples.Pour finaliser votre dessin, diverses techniques vous sont expliquées, qui vous permettront de donner relief et caractère à votre sujet. Laissez-vous simplement guider !

  • Pour un regard moderne, ce qui distingue Vermeer de ses contemporains, Metsu, Ter Borch ou De Hooch, est l'aura de mystère qui se dégage de ses tableaux. Ce sentiment trop bien partagé a fait fleurir une vaste littérature, qui n'est pas toujours exempte de lieux communs. Cette qualité poétique, singulière et incontestable, fait précisément l'objet de ce livre. Mais elle n'est pas envisagée ici comme une dimension ineffable : ainsi que le suggère Daniel arasse, Vermeer a au contraire très délibérément construit le mystère de sa peinture. À travers une analyse rapprochée des oeuvres, de leur structure et de leur contenu, l'auteur montre comment la « scène d'intérieur » devient chez Vermeer une peinture de l'intimité, un « dedans du dedans », une sphère réservée et inaccessible au coeur même du monde privé. C'est cette intimité, dans son impénétrable visibilité, que peint le « sphinx de Delft ». Notre conception de Vermeer se trouve ainsi complètement renouvelée : on perçoit que la poétique propre de ses oeuvres est inséparable de son ambition de peintre. Pour l'historien, cette ambition n'est pas sans relation avec le catholicisme de Vermeer, avec sa foi dans la puissance de l'image peinte à incorporer une mystérieuse présence.

  • Une BD pour découvrir les bases de l'illustration et de la création de bande dessinée. Yuio, auteur illustrateur et prof de BD, a imaginé toute une galerie de personnages qui s'en donnent à coeur joie pour vous enseigner les fondamentaux de la création de personnages, de la mise en couleurs, de la perspective, du lettrage et tout un tas d'astuces indispensables. Quand pédagogie rime avec humour, une BD pour apprendre sans se prendre la tête !

    Du grand débutant au futur pro.
    Attention : La version ePub de ce livre numérique est en fixed-layout. Pour des conditions de lecture optimales, veillez à ce que votre tablette ou ordinateur supporte ce type de format.

  • Les personnages sont les principaux sujets que l'on souhaite dessiner lorsque l'on débute. La difficulté est d'en avoir une vision globale. Bien souvent, on s'attache aux détails et le dessin est faussé.Comme tout sujet, le corps humain est composé de formes simples. Connaître leurs rapports de proportions, comprendre la façon dont ces différents volumes s'articulent et se modifient selon les mouvements, vous permettra d'obtenir un dessin réaliste. Représentés dans des attitudes caractéristiques, tous les modèle sont décomposés en 2 à 7 étapes simples.Pour finaliser votre dessin, diverses techniques vous sont expliquées, qui vous permettront de donner relief et dynamisme à n'importe quel personnage. Laissez-vous simplement guider !

  • Lorsque l'on souhaite dessiner une main ou un pied, c'est la perspective qui pose principalement problème.Comme tout sujet, nos membres sont composés de formes simples. Comprendre la façon dont ces différents volumes s'articulent et se modifient selon l'angle de vue vous permettra d'obtenir un dessin réaliste. Représentés dans des mouvements variés et sous des angles multiples, tous les modèle sont décomposés en 2 à 8 étapes simples.Pour finaliser votre dessin, diverses techniques vous sont expliquées, qui vous permettront de donner du relief au sujet. Laissez-vous simplement guider !

  • Sonia Delaunay s'est longtemps effacée derrière l'oeuvre de son mari Robert qu'elle vénérait. Mais qui est-elle vraiment ? Moderne, exigeante et visionnaire, du couple Delaunay, la vraie créatrice, c'est elle. Seule femme peintre parmi l'avant-garde du XXe siècle naissant, Sonia souffre toutefois d'une réputation de « touche à tout ». Avec ses tissus imprimés, ses meubles, ses objets, ses vêtements, elle fait vivre sa famille, mais surtout crée l'art d'embellir le quotidien. Généreuse, elle se lie d'amitié avec les artistes majeurs de son époque - Apollinaire, Cendrars, Tzara, Diaghilev, Kandinsky... - qui s'invitent à sa table et avec lesquels elle collabore dans une camaraderie joyeuse et inventive.
    Sophie Chauveau raconte avec passion le destin d'une artiste exceptionnelle, une vie magnifique, bousculée par deux guerres et toutes les révolutions picturales du XXe siècle. De l'Ukraine des shtetls au Saint-Pétersbourg des tsars, en passant par Berlin, Paris ou l'Espagne, voici le destin de celle qui ne vécut, jusqu'à 94 ans, que pour son art.

  • Considéré comme un classique par les historiens de l'art, le Léonard de Vinci de Kenneth Clark fut publié en 1939. Certes, d'autres points de vue ont depuis été développés à propos de cet artiste hors normes, mais l'ouvrage n'a rien perdu de son intérêt ni de son originalité. Avec une passion communicative, Clark présente la vie et l'oeuvre de Léonard de Vinci (1452-1519) selon une approche chronologique, de ses débuts dans l'atelier de Verrocchio à Florence jusqu'à ses dernières années en France, en passant par ses longs séjours à la cour des Sforza à Milan. Plus que ses recherches scientifiques, c'est son génie pictural qui est ici analysé et décrypté de façon lumineuse, ainsi que son apport unique dans l'histoire de l'art.

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