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  • Condamné par les Nazis comme étant un artiste « dégénéré », Franz Marc (1880-1916) est un peintre allemand dont l´utilisation des lignes sèches et de la couleur exprime de manière éloquente la douleur et le traumatisme de la guerre. Dans des toiles telles que La Mort des animaux, Marc a créé l´émotion brute d´une violence primitive, qu´il a qualifiée de prémonition de la guerre, guerre qui allait être la cause de sa mort à l´âge de trente-six ans.

  • La période de la Renaissance débute en Italie à la fin du XIVe siècle et s´étend sur tout le continent européen jusqu´à la seconde moitié du XVIe siècle. La redécouverte des splendeurs de la Grèce et de la Rome antique marque les débuts d´une « renaissance » des arts, en rupture avec les dogmes du Moyen Âge. Nombre d´artistes vont innover aussi bien dans les domaines de la peinture, que dans ceux de la sculpture et de l´architecture. Le réel et l´idéal, le profane et le sacré, le mouvement et la perspective constitueront les thèmes de référence, qui influenceront l´art européen pour les quatre siècles à venir.
    Léonard de Vinci, Michel-Ange, Botticelli, Fra Angelico, Giorgione, Mantegna, Raphaël, Dürer et Bruegel sont au nombre de ces artistes qui apporteront une contribution décisive à l´art de la Renaissance.

  • « À chaque âge son art, à chaque art sa liberté. » Voila la devise de la Sécession viennoise, mouvement dissident (1892-1906), qui fut porté par une vingtaine d´artistes éclairés luttant contre l´académisme conservateur pétrifiant Vienne et tout l´empire austro-hongrois.
    Courant de l´Art nouveau, la Sécession, officiellement fondée en 1897 par Klimt, Moll et Hoffmann, ne fut pas une révolution artistique anonyme parmi tant d´autres. Contestataires par essence, les sécessionnistes viennois ont peint ce qu´on ne devait pas peindre : les frôlements, les baisers, les violences. Se définissant comme un art total sans contrainte politique ni commerciale, l´effervescence de ce mouvement toucha tous les artisans, architectes, et décorateurs. Dans cet ouvrage, peinture, sculpture et architecture sont confrontées par l´auteur pour souligner la richesse et la diversité du mouvement viennois.

  • Terme entré dans l´usage courant au cours de la première moitié du XIXe siècle, l´art roman distingue, en histoire de l´art, la période qui s´étend entre le début du XIe siècle jusqu´à la fin du XIIe siècle. Révélant une grande diversité d´écoles régionales, chacune démontrant ses spécificités, l´art roman, dans l´architecture comme dans la sculpture, est marqué par ses formes brutes. Par sa riche iconographie, au fil d´un texte captivant, cet ouvrage nous propose de redécouvrir cet art médiéval, encore souvent trop peu considéré face à l´art gothique qui lui succéda.

  • Si le portrait devait, avant tout, être la représentation fidèle de son modèle, selon des canons strictement définis, cette galerie de 1000 portraits montre au contraire, combien ce genre fut bousculé au fil de l´histoire et s´avère être beaucoup plus complexe qu´une simple imitation de la réalité. Par-delà la dextérité de l´artiste, l´art du portrait se doit de dépasser l´imitation, aussi juste et précise soit-elle, pour traduire, sans trahir, tant l´intention de son commanditaire que celle de l´artiste. Ainsi, ces témoins silencieux, soigneusement sélectionnés dans ces pages, révèlent, au-delà des visages officiels ou anonymes, une psychologie plus qu´une identité, une allégorie, une propagande politique ou religieuse, ou incarnent, avec justesse, les moeurs de leurs époques. Par son nombre impressionnant de chefs-d´oeuvre, de biographies, de commentaires d´oeuvres, cet ouvrage confronte les différents portraits, exposant dès lors au lecteur, et à tout amateur d´art, le reflet de l´évolution de notre société, mais surtout les bouleversements d´un genre qui, pendant près de trente siècles de peintures, façonna l´histoire de l´art.

  • El Renacimiento se inició a finales del siglo catorce en Italia y ya estaba extendido por toda Europa en la segunda mitad del siglo dieciséis. El redescubrimiento del esplendor de la antigua Grecia y Roma supuso el comienzo del renacimiento de las artes como consecuencia de la descomposición de la certeza dogmática de la Edad Media. Surgió una generación de artistas que comenzaron a innovar dentro del ámbito de la pintura, así como de la escultura y arquitectura. Representando lo ideal y lo actual, lo sacro y lo profano, este período supuso un marco de referencia que ejercería su influencia sobre el arte europeo a lo largo de los siguientes cuatro siglos.
    Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Botticelli, Fra Angélico, Giorgione, Mantegna, Rafael, Durero y Bruegel se encuentran entre los artistas que hicieron contribuciones considerables al arte del Renacimiento.

  • Die Renaissance begann gegen Ende des 14. Jahrhunderts in Italien und breitete sich bis zur zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts über ganz Europa aus. Die Wiederentdeckung der Pracht des griechischen und römischen Altertums markierte den Beginn der Wiedergeburt der Künste nach dem Zusammenbruch der dogmatischen Gewissheiten des Mittelalters. Eine ganze Reihe von Künstlern entwickelte in Malerei, Bildhauerei und Architektur Innovationen. Mit der Darstellung von Idealen und der Wirklichkeit, des Heiligen und des Profanen, etablierte die Bewegung einen Rahmen, der die europäische Kunst und Kultur der folgenden vier Jahrhunderte prägte.
    Leonardo da Vinci, Michelangelo, Botticelli, Fra Angelico, Giorgione, Mantegna, Raffael, Dürer und Bruegel sind Künstler, die einen wesentlichen Beitrag zur Kunst der Renaissance leisteten.

  • Seit Grabdenkmäler auf den Gräbern errichtet wurden, hat die Vorstellung vom Tod und vom Leben nach dem Tod einen wichtigen Stellenwert in der Kunstwelt erlangt.

    Der Tod, eine unbegrenzte Inspirationsquelle, in der Künstler nach dem Ausdruck des Unendlichen suchen knnen, ist das Motiv zahlreicher mysteriser und unterschiedlicher Darstellungen. Das antike ägyptische Totenbuch, die für immer schlafenden Grabfiguren auf mittelalterlichen Gräbern sowie die Strmungen der Romantik und des Symbolismus des 19. Jahrhunderts sind der Beweis für das unaufhrliche, die Produktion von Kunstwerken zum Thema Tod und Jenseits antreibende Interesse.
    In diesem Buch untersucht Victoria Charles, wie die Kunst im Laufe der Jahrhunderte der Spiegel dieser Fragestellungen zum Jenseits geworden ist.

  • Since the first funerary statues were placed in the first sepulchres, the ideas of death and the afterlife have always held a prominent place at the heart of the art world.

    An unlimited source of inspiration where artists can search for the expression of the infinite, death remains the object of numerous rich illustrations, as various as they are mysterious. The ancient Egyptian Book of the Dead, the forever sleeping statues on medieval tombs, and the Romantic and Symbolist movements of the 19th century are all evidence of the incessant interest that fuels the creation of artworks featuring themes of death and what lies beyond it.

    In this work, Victoria Charles analyses how, through the centuries, art has become the reflection of these interrogations linked to mankind's fate and the hereafter.

  • A symbol of massive crowds and solitary desires, the city holds promise for all those that pass through it. Its meandering streets, unexplored neighbourhoods and incessant noise create a landscape that captivates the observer. The lights of the city can conceal or reveal it, transforming its appearance hour by hour, offering countless facets to the passerby. While the light of morning pulls the city from its torpor and renews it for the dawning day, the nocturnal illumination plunges the pedestrian into the strangeness of its mysteries, creating a striking and ephemeral beauty. Between the shadow and the light, these original photographs reveal the fragile glow of the city, and help us rediscover the eternal pulse of these great capitals, simultaneously surprising and sublime.

  • A bridge is a link between two worlds, a point of tension between two separate and often disparate locations. Free, belonging neither to one region or another, the bridge imposes upon the landscape and defies nature. Its existence embodies the will of mankind to construct these necessary bonds between people and places. A symbol of progress and innovation, the bridge, anonymous demonstration of the mastery and the durability of new techniques, is gradually becoming more and more light and fluid, constantly defying stateoftheart technology. As veritable aesthetic creations, bridges appear today not only as examples of masterful engineering, but also as incredible works of art. With its magnificent photographs, this book invites the reader to rediscover these modernday sculptures.

  • The lighthouse, an indefatigable watchman, ceaselessly guides boats to their ports.This beacon of maritime signalisation has guided sailors since antiquity.The first known lighthouse appeared on the island of Pharos, and was the remarkable Lighthouse of Alexandria; however, it seems that volcanoes like Stromboli and its frequent eruptions were possibly at the origin of this invention, as the fires guided boats to their shores. Faced with the increasing development of modern navigational aids, these lone sentinels do not hold the same functional importance today. However, this work emphasises not only their role as a major architectural development, but also the place that they hold in the cultural heritage of the world. From the Lighthouse of the Whales (France) to the Lighthouse at the End of the World (Tierra del Fuego,Argentina), and passing by the Lighthouse of Green Island (Canada) and the Bell Rock Lighthouse (Scotland), this work invites the reader to rediscover the richness of these witnesses of other times.

  • Born in the Industrial Revolution, the factory has long been considered like a monster of iron, subjugating the individual to the collective in an act of mass dehumanisation.Turning away from the pure functionality for which it was built, the factory is evolving into an aesthetic space, sometimes transformed into modern lofts or a museum of contemporary art. The surprising photographs featured in this work help us rediscover the volume, purity of line, beauty, and stunningly modern architecture of these steelboned monuments.

  • Az e-knyv a Kossuth Kiadó által nyomtatásban megjelentetett nagysiker? Világhíres fest?k cím? sorozat azonos cím? ktetének szveganyagát tartalmazza, az illusztrációk nélkül. El Greco halálakor minden vagyonként csupán 200 vázlatos festményt hagyott hátra. A spanyol miszticizmus fest?je két évvel el?zte meg halálával nagy kortársát, Cervantest. Ez a dátum az egyike azon kevés támpontoknak, amelyek biztosnak tekinthet?k életrajzában. El Greco hétkznapjairól, életér?l továbbra is alig rendelkezünk adatokkal. Sokszor érezheti úgy az ember, hogy titkait csak a festményei el?tt merengve fejtheti meg, amelyekhez ráadásul sokszor ma is nehéz hozzáférni a félhomályos, toledói templomok és kápolnák mélyén.

  • Von der antiken sumerischen Töpferkunst zur Glasmalerei Tiffanys, angewandte Kunst bildete über Generationen hinweg einen wichtigen Teil der menschlichen Erfahrungswelt. Während die bildenden Künste in Museen und Galerien bewundert werden, ist die angewandte Kunst die Kunst des Alltäglichen, indem sie in Form von Gebrauchsgegenständen, die von prosaisch bis fantastisch reichen, Schönheit mit Funktionalität verbindet. Albert Jacquemart feiert in diesem Text die Schönheit und das künstlerische Potenzial in den alltäglichsten Gegenständen. Der Leser wird darin seine Wertschätzung der geschickten Kunstfertigkeit des produzierenden Gewerbes neu entdecken.

  • The influence of works by French artists extends itself across all artistic styles, and many French works have gained world fame as classics. This book gives an overview of the French milestones in still lifes, portraits, and landscapes, and includes artists like Poussin, Clouet, Moreau, Millet, Courbet, Signac, and Rouault. The convenient format makes the Mega Square edition an ideal gift for any art lover.

  • Francisco Goya werd tweeëntachtig jaar (1746-1828) en gedurende die tijd produceerde hij eengeweldige hoeveelheid werk - ongeveer 500 olieverfschilderijen en wandschilderingen, bijna 300 etsen en steendrukplaten, en een paar honderd tekeningen. Hij was zowel een bekwaam schilder als tekenaar en hij experimenteerde met tal van technieken; zelfs aan het einde van zijn leven was hij een pionier in de nieuwe drukmethode van de lithografie. Goya was in wezen een figuratieve schilder en hij behandelde heel veel verschillende onderwerpen. Hij ontwikkelde zich tot de toonaangevende portretschilder van Spanje, verfraaide kerken in Saragossa en Madrid met altaarstukken en wandschilderingen en ontwierp wandtapijten die het leven in Madrid verbeeldden. Zijn talrijke privé-schetsboeken bevatten zijn persoonlijke waarnemingen.

  • Die Mega Square-Ausgabe Skulptur umschließt 23.000 Jahre dieser Kunstform und mehr als 120 der beeindruckendsten Skulpturen der Welt: von prähistorischer Kunst über ägyptische Statuen und Michelangelo zu Henry Moore und Niki de Saint-Phalle. Das Buch beleuchtet die große Auswahl an Werken, die Evolution von Stilen über die Jahrhunderte und die Besonderheiten der wichtigsten Bildhauer. Sein praktisches Format macht es zu einem idealen Geschenk.

  • Cézanne gelang es mit einer Teetasse die Existenz des Lebens zu zeigen und er erhob Stillleben zu einem Punkt, an dem sie nicht mehr leblos zu sein schienen. Wassily Kandinsky sagte über den franzsischen Künstler: Er malte diese Dinge als menschliche Wesen, da er die Gabe hatte, in allem ein Seele zu erahnen. Neben Cézanne präsentiert dieses Buch Stillleben großer Künstler wie Van Gogh, Matisse, Chardin und Picasso. Sein praktisches Format macht es zu einem perfekten Geschenk.

  • Van Dyck, herausragender Maler des 17. Jahrhunderts, hatte eine ebenso kurze wie glanzvolle Karriere. Als ein Schüler Rubens wird er sehr schnell zum Protegé der Prinzen und Knige und avanciert zu einem der beliebtesten Porträtisten der großen und wichtigen Familien Englands. Mithilfe einer äußerst präzisen Farbkomposition verleiht er seinen Modellen Würde und geistige wie krperliche Grße. Mit hoch aufgerichteten, lächelnden Damen und Adligen auf tänzelnden Pferden versteht es Van Dyck vortrefflich, eine sorglose Eleganz und die Langweile einer raffinierten Gesellschaft darzustellen. Als Maler des Barock mit schillernden Biegungen spielt er mit einer leichten und nuancierten Palette und gibt mit einer großartigen Virtuosität Samt, Satin und Seide wieder.

    Van Dyck wird als der Begründer der englischen Porträtschule angesehen. Er übte Einfluss auf Lely, Dobson, Kneller und insbesonder auf Reynolds und Gainsborough aus, aber auch auf die franzsischen Maler des 18. Jahrhunderts.

  • Blumen sind das zentrale Objekt einer Vielzahl von Stillleben in der Malerei. Mit ihren Farben und Formen drücken Künstler von Brueghel bis O'Keeffe Leben, aber auch Vergänglichkeit aus. Van Goghs Sonnenblumen, Monets Seerosen und Matisse' Bouquets sind unvergessliche Meisterwerke. Dieses Buch versammelt die großen Meister der Blumenmalerei und sein praktisches Format macht es zu einem idealen Geschenk.

  • Cézanne transformed a teacup into something alive, raising still-life to the point that it ceased to be inanimate. Wassily Kandinsky said about the French artist: "He painted these things as human beings because he was endowed with the gift of divining the inner life in everything." In addition to those of Cézanne, this book is devoted to still-life paintings by artists such as Van Gogh, Matisse, Chardin and Picasso.

  • John Constable ist der erste englische Landschaftsmaler, der den Holländern in nichts nachsteht. Er übernimmt zwar einiges von Rubens Landschaften, doch sein eigentliches Vorbild ist Gainsborough. Constable bringt einen frischen Wind in die Malerei, zum einen, was die Technik, zum anderen, was das Gefühl anbelangt. Mit Ausnahme der Franzosen war Constable der erste Landschaftsmaler, der es als wichtigste Aufgabe erachtete, zunächst in einer einzigen Sitzung in der Natur eine erste Skizze anzufertigen. Diese Idee ist der Keim für die Entwicklung der modernen Landschaftsmalerei - ja vielleicht sogar der modernen Malerei überhaupt. Es ist diese spontane Momentaufnahme, das flüchtigste, persönlichste und am wenigsten reproduzierbare Element, das dem zukünftigen Bild seine Seele gibt. Beim späteren gemächlichen Arbeiten an der Leinwand kann die Absicht des Künstlers nur darin bestehen, diese erste Skizze zu bereichern und zu vervollkommnen, ohne jedoch die jungfräuliche Frische zu verlieren. Diesen zwei Prozessen widmete sich Constable mit dem Ziel, die Fülle des Lebens in den ländlichen Gegenden zu entdecken.

  • Mega Square Sculpture spans over 23,000 years and over 120 examples of the most beautiful sculptures in the world: from prehistoric art and Egyptian statues to the works of Michelangelo, Henry Moore and Niki de Saint-Phalle. It illuminates the wide variety of materials used and the evolution of styles over centuries, as well as the peculiarities of the most important sculptors.

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